L'artiste français Jean-Philippe Haure réalise des peintures qui sont des récits sobres de personnes, de lieux et d'esprits balinais. À première vue, son art semble fragile, comme si un souffle de vent pouvait effacer la couleur et la ligne du papier en un instant. Mais son art n'est pas fragile : il a la force linéaire d'un mariage robuste entre la couleur, la géométrie et le sujet qui ravit l'œil et stimule l'imagination.
Haure a découvert la grâce de la beauté dans de nombreux endroits : dans la danse, dans des regards caustiques, parmi les pauvres, dans un moment d'anticipation, dans un toucher intime, dans la forme décharnée d'un homme solitaire, au milieu d'un festival et dans un rêve abstrait.
Haure n'est pas obsédé par la dureté de la société contemporaine ou par les contraintes des traditions communautaires ; il exige plutôt que nous regardions de plus près les dépossédés, nous invitant à voir la grâce unique du survivant. Ses observations nous obligent à prendre acte des inégalités qui gangrènent la société. Mais ces réalités douloureuses s'opposent au rituel insaisissable de la fête et aux femmes élégantes, finement coiffées et vêtues d'habits traditionnels éclatants : elles sont des présences séduisantes dans la profonde quiétude d'une culture intemporelle.
Le voyage dans l'univers figuratif et abstrait balinais de Haure ne commence pas par un sujet ou des questions esthétiques, mais par un lavis coloré : l'œuvre découle de cette base. "Pour moi, le lavage est très important. C'est là que l'histoire commence". dit-il. Lorsque je vois un "modèle de vie quotidienne" dans la rue, cela me motive à travailler. Toute question sur l'esthétique doit d'abord être réglée au lavabo."
Même si l'œuvre de Haure traite de la rencontre de la fantaisie et de la réalité, il saisit quelque chose de la nature spirituelle et du rythme étudié de la vie balinaise. Il apporte des éléments d'émerveillement à ses récits, de petits drames dotés d'une compréhension singulière de ses protagonistes, affinée par des années d'observation et de vie au sein de la communauté en tant qu'enseignant.
Ses sujets prennent vie grâce à une palette de couleurs douces et à une abstraction qui "chuchote" les émotions des spectateurs dans des œuvres intimes telles que Après le bain (2006), Couleurs d'Indonésie (2006)et Melancholia (2013). La palette de Haure allège également l'austérité de ses œuvres figuratives austères telles que Le gardien du temps (2012), Rester en vie (2012)et Garder à l'esprit (2014). Il en résulte des expériences oniriques variées qui restent gravées dans l'esprit.
Alors que l'art de Haure, avec toutes ses couleurs et ses lignes fines, suggère la facilité d'accès de la photographie, sa peinture exige que les spectateurs découvrent le cœur de ses récits, pour leur donner vie au-delà du cadre et de ses surfaces lisses et séduisantes. C'est ce qu'accomplissent de manière éclatante des portraits tels que Après le bain (2006), le triptyque Dualité XVII (2008), La sagesse derrière l'âge (2011) Un rêve à ne pas oublier (2012), Le vent dans les arbres (2012), Rester en vie, J'aimerais voir l'autre côté (2012), Melancholia (2013), Garder à l'esprit (2014) . Dans cette série de peintures, Haure parle franchement de vies vécues en marge de la société, de luttes personnelles, de l'âge, de l'isolement, de la tristesse, de l'angoisse mentale, de la perte et des rêves.
Ici, pendant quelques instants, nous sommes les voyeurs d'un calme de surface, mais aussi conscients d'une angoisse personnelle.
Il n'y a pas de tourment dans La sagesse derrière l'âge Mais il y a de la tristesse dans le visage, les yeux et la posture de cette élégante et belle femme au front plissé, à la main droite serrant son genou et aux doigts de la main gauche pressés sur sa tête, dont les seins voluptueux se détachent presque de sa robe. Ses yeux nous regardent mais elle ne nous voit pas : on sent qu'elle se retourne peut-être vers sa jeunesse, vers l'époque où sa beauté attirait les regards admiratifs, vers l'époque où elle se dorlotait tout comme la jeune femme sulfureuse de Après le bain ne.
Il y a ici un plaisir tranquille, mais pas dans la peinture lunatique de Haure MélancolieEn revanche, la jeune femme regarde le sol sans se concentrer, les mains posées sur les pieds. Ses épaules inclinées et son regard distrait témoignent de la tristesse qui l'habite.
Haure réalise ces trois femmes avec des lignes subtiles, des détails exquis et une abstraction qui semble surgir du sol comme une entité vivante, soulignant l'érotisme naturel. Dans le triptyque Dualité XVIICependant, la vieille femme, les bras le long du corps, le visage sévère et les yeux curieux de questions, regarde le monde, résignée à son sort. On peut voir une dignité tranquille dans sa beauté fissurée, qui s'estompe, mais c'est néanmoins la beauté, et non un faux récit, qui met beaucoup de gens mal à l'aise. "Nous avons peur de la beauté. déclare Haure. "Nous sommes terrifiés par la beauté en tant que tourment [car elle est] atroce, inaccessible. Je veux capturer le moment précis où les choses sont exquises".
Haure's Un rêve à ne pas oublier; Le vent dans les arbres; Rester en vie; J'aimerais voir l'autre côté; et Garder à l'esprit sont d'excellentes études psychologiques d'hommes seuls, de figures solitaires qui, par leurs postures, suggèrent la résignation face aux difficultés de la vie.
Accroupis ou debout, travaillant ou se reposant, face à nous ou dos au spectateur, nous sommes conscients de leur abjecte lutte pour être. Ils survivent en des temps difficiles, s'efforçant de gagner leur vie du mieux qu'ils peuvent. Haure donne vie à chaque figure grâce à des lavis bien placés et à des couleurs sourdes, qui rappellent l'expression libre du tachisme. Le trait descriptif de Haure révèle des couches de la vie de ses protagonistes.
Il y a également une certaine retenue dans la présentation par Haure des personnages masculins dont il dépeint la vie difficile. Il s'agit d'une humanité appauvrie, capturée avec grâce et respect : il n'y a pas d'idéalisation romantique ou nostalgique des personnages. Ici, une ligne élégante et des lavis abstraits combinent une dureté et une douceur qui surprennent.
Un tendre souvenir est révélé par une main qui dépose une fleur unique dans un pot de fleurs. Un rêve à ne pas oublier et en J'aimerais voir l'autre côté l'homme regarde longuement au loin, où il ne peut qu'imaginer une autre vie. Mais pour moi, les trois œuvres figuratives les plus puissantes et les plus sensibles de Haure sont Stay Alive [voir couverture], The Time Keeper et Wind in the Trees, qui sont des peintures magnifiquement réalisées de tourments humains discrets.
La figure vieillissante de Rester en vie est androgyne, le visage buriné témoigne de l'habileté du temps à vieillir ; les doigts de sa main droite soulèvent un morceau de nourriture d'un porte-papier vers une bouche avide ; les doigts de sa main gauche tiennent une cigarette. Assis sur sa place abstraite, il semble que la terre et lui ne fassent qu'un. Les détails du visage, des mains, des doigts, des pieds et des orteils de Haure, ainsi que la façon dont ses vêtements se plient pour révéler son corps, ajoutent à la présence du personnage.
Les lignes fortes des os lavés avec des teintes sourdes de bruns brûlés, de rouges et de violets confèrent au corps de l'homme en Le gardien du temps un sentiment de désespoir, renforcé par les plis de ses vêtements en lambeaux. Sur la peau ridée du visage âgé, les yeux fixent le lointain, comme si ses pensées étaient peut-être des souvenirs jadis agréables, aujourd'hui perdus dans le doute du présent. La cigarette allumée qu'il tient mollement entre ses doigts fins ponctue ses pensées.
L'impression de désespoir qui se dégage des portraits d'indigents réalisés par Haure est sans doute la plus frappante dans la figure courbée et émaciée qui se penche légèrement vers l'avant dans l'image de l'homme. Le vent dans les arbres. Là encore, une combinaison de lignes fortes et délicates et de teintes claires définit le caractère et le lieu. Le fait que les portraits de Haure aient parfois la qualité du photoréalisme n'est pas un hasard, car l'artiste utilise la photographie comme outil et comme point de référence dans son travail artistique.
Dans son essai The Art Concept Rhapsody (2012), le critique Jean Couteau, originaire de Bali, souligne l'utilisation astucieuse de la photographie par Haure :
"Les photographies ... contribuent aux lignes et, finalement, au contenu idéel de l'œuvre. Mais comment une photographie peut-elle le faire ? En ne prêtant que certaines de ses lignes, les plus évocatrices, tout en abandonnant tout contenu trop narratif et détaillé. De la photographie, il ne restera finalement que le minimum nécessaire pour suggérer une scène, et à travers cette scène, une certaine compréhension de la sensibilité, de la tendresse et de l'amour. Tout est suggéré plutôt qu'affirmé. Comme une humeur fluide qui dépasse alors les couleurs pour s'inscrire dans les lignes d'un réel sublimé."
Aussi éphémère que puisse paraître l'univers de Jean-Philippe Haure, il est fondé sur une observation fine et une foi chrétienne profonde. Né en 1969 à Orléans, en France, sur les bords de la Loire, Haure a étudié les arts et métiers à l'École Boulle à partir de 1983, date à laquelle, selon l'artiste, "J'ai découvert l'amour du travail bien fait, les techniques pour y parvenir, la manière de développer sa propre personnalité et sa créativité, le tout basé sur la connaissance de l'histoire de l'art, non seulement théorique, mais appliquée dans l'atelier. Je sentais qu'il manquait quelque chose : la philosophie de l'art. Je voulais comprendre ce qu'est l'art. Je suis allée à la Sorbonne et j'ai suivi des cours. J'ai étudié Idea, d'Erwin Panofsky, qui m'a ouvert les portes de la philosophie.
En 1989, il est devenu moine au monastère bénédictin de Saint Benoît sur Loire où, comme il l'indique, il a appris à "plonger dans le silence, c'est ce que j'ai commencé à apprendre au monastère. Je me sens très proche de cette vie.
En 1990, Haure est arrivé à l'école Sasana Hasta Karya à Bali, en tant que bénévole, où il a enseigné un vaste programme d'études. Au cours des 30 dernières années, Bali et sa culture sont devenus partie intégrante de la vision artistique de Haure, dont la sensibilité à l'égard des sujets asiatiques rappelle celle de l'artiste français Paul Jacoulet (1896-1960), basé au Japon, notamment en ce qui concerne la figuration individuelle.
Mais l'art de Haure est également marqué par la richesse de l'esprit et des techniques d'un large éventail d'artistes, dont Edgar Degas (1834-1917), en particulier la liberté de ses dessins au pastel, l'orthodoxie académique et romantique d'Ingres (1780-1867), le courage de la vie libre et sans compromis de Vincent van Gogh (1853-1890), la figuration balinaise de Willem G. Hofker (1902-1981), et les dessins au fusain de l'artiste singapourien Teng Nee Cheong (1951-2013).
Ces artistes lui ont appris à s'en tenir à un seul endroit pour l'examiner de près, car comme il le dit lui-même, "Je préfère m'enfoncer dans un même lieu plutôt que de voyager pour découvrir tous les lieux communs de chaque endroit. Je n'aime pas la surface, je préfère la plongée".
Mais même s'il est à un endroit, la vision de Haure n'est pas rigide. Elle est pleine d'épices et non de clichés. Elle est empreinte de l'esprit d'aventure qui l'a poussé à partir à la découverte il y a tant d'années et qui ne l'a jamais quitté.
Comme il le dit lui-même, "J'ai eu la chance de partir [de France] pour découvrir une nouvelle culture. Presque 30 ans de vie à Bali m'ont appris à quel point une culture est relative. L'universalité de la beauté les supprime. Je suis heureux d'être né après l'histoire moderne de la peinture européenne. Tous ces peintres m'ont apporté la liberté. Ils ont libéré le langage des formes. Mais pour moi, ils ne sont pas allés assez loin. Apprendre à faire du chaos est une chose, mais être conscient de la beauté qui apparaît dans ce chaos en est une autre."
La vie séculaire et spirituelle de Haure nourrit sa nature réfléchie, où le silence et l'action sont singulièrement unis. Il voit la dignité et la beauté dans de simples scènes intimes, tout comme il capture l'aliénation chez les pauvres et une beauté intemporelle chez les privilégiés. Mais il ne juge pas, il laisse son abstraction lyrique et sa figuration nous guider dans son voyage artistique.
C'est ce que l'on constate dans En attendant le roi (2018)qui représente une scène agréable de deux garçons attendant le passage du roi. Les motifs luxueux des tissus drapés témoignent de l'amour de Haure pour la couleur et l'abstraction, mais aussi de l'intimité de l'instant immobile, comme dans Couleurs d'Indonésie (2006) où une belle fille se penche en avant pour toucher doucement son pied avec les doigts tendus et Récifs coralliens (2019) où une jeune femme, qui nous tourne le dos, est plongée dans un état d'esprit pensif.
Haure crée une tension dans cette œuvre grâce aux couleurs sourdes et au lavis de sa robe et à des détails physiques tels que sa main tendue et son pied plié.
L'accessibilité de l'art de Haure est rafraîchissante, tout comme sa qualité éthérée qui transporte les spectateurs dans des mondes très privés. C'est dans le rêve romantique et richement coloré que l'on trouve les œuvres de Haure. Gémeaux (2004)Le groupe festif richement détaillé et coloré de l'œuvre intitulée "L'homme et la femme", où les bleus riches et les rouges sourds dominants et la ligne fluide ajoutent à une tension inhabituelle. Le groupe festif richement détaillé et coloré de l'œuvre intitulée À moins que vous ne connaissiez un autre chemin (2020) renforce le caractère onirique de l'art de Haure, tout comme l'œuvre abstraite-figurative dramatique Dualité XIII (2008)Dans son art, il a su créer une union inhabituelle entre l'homme et l'animal.
Le contraste est saisissant avec le moment personnel des deux femmes de l'histoire de l'Union européenne. Dualité II (2006) et la femme seule en Quand la grâce abonde (2010). Il y a dans ces œuvres, et dans beaucoup d'autres, un soupçon frappant de l'idéal préraphaélite anglais de la beauté qui porte le récit abstrait et rêveur de Haure, et bien qu'elles soient touchées par le sens du romantisme, elles ne sont pas, du moins à mon avis, sentimentales. "La peinture abstraite est plus forte que toutes les autres peintures en termes d'émotion, et le dessin est également plus fort qu'une œuvre finie. Je mélange ces deux techniques". dit-il. Les résultats, comme nous le voyons, sont très séduisants.
Parmi les œuvres les plus séduisantes de Haure, on peut citer le diptyque tel que Les deux côtés de l'histoire (2011)) et les triptyques tels que Dualité XVII (2008) et Dualité XIX, Vagues dans le ciel (2011)Le modèle de tous les personnages est l'épouse de Haure, Reizka. [Le modèle de tous les personnages est l'épouse de Haure, Reizka]. Ces œuvres témoignent des aspects séculiers et religieux de Haure.
Le profane est le récit quotidien, formel et informel, des personnes représentées. La manière dont les œuvres sont encadrées rappelle les retables religieux que l'on trouve dans de nombreuses églises catholiques. L'habileté artisanale de Haure et l'attention qu'il porte aux détails dans la fabrication des panneaux sont le fruit de ses études à l'École Boulle, il y a près de 40 ans. Dans ces œuvres, des dialogues très humains et personnels se déroulent dans des cadres feutrés qui rappellent de vieilles photographies sépia, où le lavis suggère le temps passé.
En observant sa figuration, on a l'impression que la narration s'étend bien au-delà du cadre des tableaux, comme dans les retables religieux représentant des scènes bibliques. L'ensemble de l'œuvre est un voyage narratif complexe dont nous n'avons qu'un aperçu, faisant du spectateur le voyeur d'un monde privé.
On peut chercher un message dans les œuvres de Haure, mais comme il le dit lui-même, "Je n'ai pas de message. Je ne veux pas changer le monde, seulement me battre pour maintenir mon art en vie.
Je ne juge pas le monde ou les gens dans mon art.
La seule chose que je puisse dire, c'est que je veux voir l'autre côté". Le monde actuel, note-t-il, est devenu un endroit où tout est devenu "un objet à des fins commerciales, y compris la vie humaine". Si je touche une quelconque vérité, par accident, l'émotion, la beauté, le lien spirituel ou l'amour prendront vie. C'est la conséquence de mes actions, pas l'intention".
Quant à l'impression de mystère qui se dégage de sa vision, les matériaux mixtes qu'il utilise s'y prêtent. Mais ce n'est pas quelque chose que Haure cherche à faire, car le mystère n'est pas créé par le pinceau ou le crayon, il émerge de lui-même au fur et à mesure que l'artiste travaille.
"Je ne peux pas dire que je souhaite faire quelque chose dans mon art". Haure dit. Ce que je fais, c'est préparer les conditions, en particulier pour l'étape du lavage, où un "événement" peut se produire. Je veux dire une forme de langage. En utilisant tous les outils dont je dispose (couleurs, texture, lignes, contraste, équilibre, harmonie), j'assemble le tout dans une sorte de chaos.
Parfois, quelque chose d'inhabituel apparaît, une nouvelle "musique" dans le langage des formes se fait entendre. Je dois faire attention. Il est si facile de la détruire en y ajoutant ma propre volonté. Si j'utilise ma volonté, j'échoue".
Jean-Philippe Haure est en quête permanente de beauté, une quête qui s'insinue dans tout son art. La recherche de la beauté est une tâche difficile car elle exige tout de la personnalité de l'artiste et de ses compétences, de sa vision et de son esprit.
Comme le dit Haure,
"La beauté est un lieu de repos, elle n'est pas joyeuse. Elle provoque parfois une frayeur qui nous fait nous éloigner. C'est l'apparition de l'ineffable, le langage du non-dit.
La beauté n'accepte aucun compromis. Lorsque je travaille sur mon lavis et que j'essaie de faire apparaître clairement le modèle, je dois prendre de nombreuses décisions (choisir des lignes au lieu d'un contraste, changer la couleur ou la saturation, utiliser une texture de lavis comme partie figurative, ajouter une ligne blanche, couvrir une zone, effacer certains détails, etc.
Je pense que toutes ces décisions, ajoutées les unes aux autres, ont un effet intransigeant. Les peintures qui ne sont pas réussies sont hésitantes et mièvres".
Pour Haure, le monde est en perpétuel mouvement. Dans son art, il cherche à aller au-delà de la surface pour décrire un Bali riche en esprit.
Comme il le dit lui-même, "Le monde que nous ne voyons pas nous rappelle toujours la magie, les cérémonies, les rites, les sacrifices, les offrandes, la beauté et la fertilité.
Dans toute recherche, il y a des surprises et des plaisirs, des succès et des déceptions. La quête de la grâce de Jean-Philippe Haure est remplie de ces éléments, ce qui explique que son art soit profondément individuel.
publiée le 5 novembre 2020