Seniman asal Perancis, Jean-Philippe Haure, membuat lukisan yang merupakan narasi terkendali dari orang-orang, tempat, dan semangat Bali. Sekilas, karya seninya tampak rapuh, seolah-olah hembusan angin dapat menghapus warna dan garis dari kertas dalam sekejap. Namun, karya-karyanya tidaklah rapuh: ia memiliki kekuatan linear dari perpaduan warna, geometri, dan subjek yang memanjakan mata dan menstimulasi imajinasi.
Haure telah menemukan keanggunan keindahan di berbagai tempat: dalam tarian, dalam pandangan mata, di antara mereka yang miskin, di saat-saat penuh antisipasi, dalam sentuhan yang intim, dalam bentuk kurus seorang pria yang menyendiri, di tengah-tengah festival, dan dalam mimpi yang abstrak.
Haure tidak terobsesi dengan ketangguhan masyarakat kontemporer atau batasan tradisi masyarakat; sebaliknya, ia menuntut kita untuk melihat lebih dekat pada mereka yang terampas dan mengundang kita untuk melihat keanggunan yang unik dari orang yang selamat. Pengamatannya memaksa kita untuk memperhatikan ketidaksetaraan yang melanda masyarakat. Namun, kenyataan yang menyakitkan ini berlawanan dengan ritual festival yang sulit dipahami dan para wanita yang anggun, dengan rambut yang disanggul dan pakaian tradisional yang mencolok: mereka adalah kehadiran yang memikat di tengah ketenangan yang dalam dari sebuah budaya yang tak lekang oleh waktu.
Perjalanan menuju dunia Bali yang figuratif dan abstrak dari Haure tidak dimulai dengan subjek atau pertanyaan tentang estetika, tetapi dengan pencucian warna: karya mengalir dari dasar ini. "Bagi saya, pencucian sangat penting. Di sinilah cerita dimulai," katanya. "Apabila saya melihat 'model kehidupan sehari-hari' di jalan, hal ini memotivasi saya untuk bekerja. Setiap pertanyaan tentang estetika harus ditemukan di tempat pencucian terlebih dahulu."
Bahkan ketika karya-karya Haure berurusan dengan pertemuan antara fantasi dan kenyataan, ia menangkap sesuatu yang bersifat spiritual dan langkah kehidupan Bali yang dipelajari. Dia membawa elemen-elemen keajaiban ke dalam kisah-kisahnya, drama-drama kecil yang memiliki pemahaman tunggal tentang tokoh-tokoh utamanya, yang disempurnakan melalui pengamatan selama bertahun-tahun dan hidup di tengah-tengah masyarakat sebagai seorang guru.
Subjeknya dihidupkan melalui palet warna yang lembut dan abstraksi yang "membisikkan" emosi pemirsa dalam karya-karya yang intim seperti After the Bath (2006), Warna dari Indonesia (2006)dan Melancholia (2013). Palet Haure juga meringankan penghematan karya figuratifnya yang tegas, seperti Penjaga Waktu (2012), Stay Alive (2012)dan Mengingat Kembali (2014). Hasilnya adalah beragam pengalaman seperti mimpi yang melekat di mata pikiran.
Meskipun karya seni Haure, dengan segala warna dan garisnya yang halus, menunjukkan kemudahan fotografi yang mudah diakses, namun lukisannya menuntut para pemirsanya untuk menyelami inti kisahnya, untuk memberikan kehidupan di luar bingkai dan permukaannya yang halus dan menggoda. Hal ini secara jelas dicapai dalam potret seperti After the Bath (2006), triptych Duality XVII (2008), Kebijaksanaan di Balik Zaman (2011) I've Got a Dream to Remember (2012), Wind in the Trees (2012), Tetap Hidup, Saya Ingin Melihat Sisi Lain (2012), Melancholia (2013), Mengingat Kembali (2014) . Dalam seri lukisan ini, Haure berbicara secara jujur tentang kehidupan yang dijalani di tepi masyarakat, perjuangan pribadi, usia, keterasingan, kesedihan, penderitaan mental, kehilangan, dan impian.
Di sini, untuk beberapa saat, kita menjadi penikmat ketenangan di permukaan, tetapi juga menyadari adanya kegelisahan pribadi.
Tidak ada siksaan dalam Kebijaksanaan di balik Zaman tetapi ada kesedihan di wajah dan mata serta postur tubuh wanita yang anggun dan tampan dengan alis berkerut, di sini tangan kanannya menggenggam lututnya dan jari-jari tangan kirinya menempel di kepalanya, payudaranya yang menggairahkan hampir terlepas dari gaunnya. Matanya menatap kami tetapi dia tidak melihat kami: seseorang merasakan bahwa dia mungkin melihat kembali ke masa mudanya, ke masa ketika kecantikannya menarik tatapan kagum, saat dia memanjakan dirinya sendiri seperti wanita muda yang gerah di Setelah Mandi tidak.
Ada kesenangan yang tenang di sini, tetapi tidak dalam lukisan Haure yang murung MelankoliaDi sisi lain, di mana wanita muda itu menatap tanpa fokus ke tanah, dengan kedua tangan di atas kakinya. Bahunya yang miring dan tatapannya yang linglung menunjukkan kesedihan yang menyelimuti pikirannya.
Haure mewujudkan ketiga wanita ini dalam garis yang halus, detail yang indah, dan abstraksi yang tampaknya muncul sebagai makhluk hidup dari tanah yang menekankan erotisme alami. Dalam triptych Duality XVIINamun, wanita tua itu - dengan tangan di sisi tubuhnya, wajah tegas, dan mata yang penuh dengan pertanyaan - menatap dunia dengan pasrah pada nasibnya. Orang melihat martabat yang tenang dalam kecantikannya yang retak dan memudar, tetapi itu adalah kecantikan, bukan narasi palsu, yang membuat banyak orang tidak nyaman. "Kami takut akan keindahan," kata Haure. "Kita takut akan keindahan sebagai siksaan [karena] menyiksa, tidak terjangkau. Saya ingin mengabadikan momen yang tepat saat segala sesuatunya menjadi indah."
Haure's Aku Punya Mimpi untuk Dikenang; Angin di Pepohonan; Tetap Hidup; Saya Ingin Melihat Sisi Laindan Perlu diingat adalah studi psikologis yang sangat baik tentang pria yang sendirian, tokoh-tokoh yang menyendiri yang, melalui postur tubuh mereka, menunjukkan kepasrahan pada masalah kehidupan.
Entah berjongkok atau berdiri saat mereka bekerja atau beristirahat, menghadap kita atau membelakangi kita, kita menyadari perjuangan mereka yang sangat berat. Mereka bertahan hidup di masa-masa sulit, mencari nafkah sebaik mungkin. Haure menghidupkan setiap figur melalui sapuan warna yang ditempatkan dengan baik dan warna-warna lembut, yang mengingatkan kita akan ekspresi bebas tachisme. Garis deskriptif Haure mengungkapkan lapisan-lapisan kehidupan para protagonisnya.
Ada sesuatu yang terkendali, juga, dalam presentasi Haure tentang tokoh-tokoh pria yang kehidupannya yang keras yang ia gambarkan. Di sini, kemanusiaan yang miskin ditangkap dengan keanggunan dan rasa hormat: tidak ada idealisasi romantis atau nostalgia dari sosok-sosok tersebut. Di sini, garis yang elegan dan sapuan abstrak memadukan ketangguhan dan kelembutan yang mengejutkan.
Kenangan yang lembut diungkapkan oleh tangan yang meletakkan setangkai bunga Aku Punya Mimpi untuk Dikenang dan dalam Saya Ingin Melihat Sisi Lain pria itu menatap dengan penuh kerinduan ke kejauhan, di mana ia hanya bisa membayangkan kehidupan yang lain. Namun bagi saya, tiga karya figuratif Haure yang paling kuat dan sensitif adalah Stay Alive [lihat Sampul], The Time Keeper, dan Wind in the Trees, yang merupakan lukisan yang direalisasikan dengan indah tentang siksaan manusia yang bersahaja.
Sosok penyihir dari Tetap Hidup androgini, wajahnya yang berkerut berbicara tentang sentuhan waktu yang menua dengan cekatan; jari-jari tangan kanannya mengangkat sepotong makanan dari tempat kertas ke mulutnya yang penuh semangat; jari-jari tangan kirinya memegang sebatang rokok. Duduk di tempatnya yang abstrak, terlihat seolah-olah bumi dan dirinya menyatu. Detail wajah, tangan, jari tangan, kaki, dan jari kaki serta lipatan pakaiannya yang memperlihatkan tubuhnya, menambah kehadiran sang karakter.
Garis-garis tulang yang kuat dibasuh dengan warna cokelat dan merah yang dibakar serta ungu yang lembut, membuat tubuh pria itu tampak lebih hidup. Penjaga Waktu rasa putus asa, diperkuat oleh lipatan pakaiannya yang compang-camping. Di kulit keriput wajahnya yang sudah tua, matanya menatap ke kejauhan, seakan-akan pikirannya sedang memikirkan kenangan yang dulu menyenangkan, yang kini hilang dalam keraguan akan masa kini. Rokok yang menyala yang digenggam dengan longgar di antara jari-jari kurus menusuk pikirannya.
Rasa putus asa dalam potret Haure tentang orang miskin mungkin paling jelas tertangkap dalam sosok kurus yang membungkuk sedikit ke depan dalam Angin di Pepohonan. Sekali lagi, kombinasi garis yang kuat dan halus serta warna-warna terang mendefinisikan karakter dan tempat. Potret Haure yang terkadang memiliki kualitas fotorealisme, bukanlah suatu kebetulan, karena sang seniman menggunakan fotografi sebagai alat bantu dan titik acuan dalam pembuatan karya seninya.
Seperti yang dicatat oleh kritikus yang berbasis di Bali, Jean Couteau, tentang penggunaan fotografi yang cerdik oleh Haure dalam esainya The Art Concept Rhapsody (2012):
"Foto... menyumbangkan garis-garis, dan pada akhirnya, konten ideasional dari sebuah karya. Tetapi, bagaimana sebuah foto bisa melakukan hal ini? Dengan meminjamkan hanya beberapa garisnya, yang paling menggugah, sambil melepaskan konten yang terlalu naratif dan mendetail. Dari foto tersebut, pada akhirnya hanya akan ada sedikit yang diperlukan untuk menyarankan sebuah adegan, dan melalui adegan ini, pemahaman tertentu tentang kepekaan, kelembutan dan cinta. Semuanya disarankan, bukan ditegaskan. Suasana hati yang mengalir kemudian mengalir melampaui warna-warna ke dalam garis-garis yang disublimasikan secara nyata."
Terlepas dari seberapa sementara dunia Jean-Philippe Haure terlihat, dunia ini dibangun berdasarkan pengamatan yang tajam dan iman Kristiani yang mendalam. Lahir pada tahun 1969, di Orléans, Prancis, di tepi Sungai Loire, Haure belajar seni dan kerajinan tangan di École Boulle dari tahun 1983, di mana menurut sang seniman, di sanalah ia menemukan jati dirinya, "Saya menemukan kecintaan terhadap pekerjaan yang dilakukan dengan baik, teknik untuk mencapainya, dan cara untuk mengembangkan kepribadian dan kreativitas diri sendiri, semua berdasarkan pengetahuan sejarah seni, tidak hanya teori, tetapi juga diaplikasikan dalam lokakarya. Saya merasa ada sesuatu yang hilang: filosofi seni. Saya ingin memahami apa itu seni. Saya pergi ke Sorbonne dan mengikuti kursus. Saya mempelajari Idea, karya Erwin Panofsky yang membuka pintu filsafat bagi saya."
Hal ini diikuti, pada tahun 1989, ketika ia menjadi seorang biarawan di biara Benediktin di Saint Benoit sur Loire di mana, seperti yang ia catat, ia belajar untuk "Menyelam dalam keheningan, inilah yang mulai saya pelajari di biara. Saya merasa sangat dekat dengan kehidupan ini."
Pada tahun 1990, Haure tiba di Sekolah Sasana Hasta Karya di Bali, sebagai sukarelawan, di mana ia telah mengajar kurikulum yang luas. Bali dan budayanya, selama 30 tahun terakhir, telah menjadi bagian integral dari visi artistik Haure, yang kepekaannya pada subjek Asia mengingatkan kita pada seniman balok kayu Prancis yang tinggal di Jepang, Paul Jacoulet (1896-1960), terutama dengan figurasinya yang khas.
Namun, karya seni Haure juga disentuh oleh semangat dan teknik yang kaya dari berbagai seniman, termasuk Edgar Degas (1834-1917), terutama kebebasan gambar pastelnya; ortodoksi akademis dan romantis Ingres (1780-1867); keberanian hidup bebas tanpa kompromi Vincent van Gogh (1853-1890), figuratif Bali Willem G. Hofker (1902-1981), serta gambar arang oleh seniman Singapura Teng Nee Cheong (1951-2013).
Seniman-seniman tersebut telah mengajarinya untuk tetap berada di satu tempat untuk memeriksanya secara dekat, karena seperti yang dia katakan, "Saya lebih suka menyelam lebih dalam di tempat yang sama daripada berkeliling untuk menemukan setiap 'lieu commun' di setiap tempat. Saya tidak suka permukaan, saya lebih suka menyelam."
Namun, meskipun berada di satu tempat, visi Haure tidak kaku. Penuh dengan bumbu kehidupan dan tidak klise. Penuh dengan semangat petualangan yang mengantarnya dalam perjalanan penemuannya bertahun-tahun yang lalu dan yang selalu menyertainya.
Seperti yang dia katakan, "Saya memiliki kesempatan untuk pindah [dari Prancis] untuk menemukan budaya baru. Hampir 30 tahun tinggal di Bali mengajarkan saya betapa relatifnya sebuah budaya. Universalitas keindahan menghilangkannya. Saya senang dilahirkan setelah sejarah seni lukis modern Eropa. Saya mendapatkan kebebasan dari semua pelukis ini. Mereka membebaskan bahasa bentuk. Tetapi bagi saya, mereka tidak melangkah cukup jauh. Mempelajari cara membuat kekacauan adalah satu hal, tetapi menyadari keindahan yang muncul dalam kekacauan itu adalah hal yang berbeda."
Kehidupan sekuler dan spiritual Haure memupuk sifat reflektifnya, di mana keheningan dan tindakan menyatu secara tunggal. Dia melihat martabat dan keindahan dalam adegan intim yang sederhana, seperti halnya dia menangkap keterasingan di antara orang miskin dan keindahan abadi di antara mereka yang memiliki hak istimewa. Namun ia tidak menghakimi, melainkan membiarkan abstraksi liris dan figurasinya memandu kita dalam perjalanan artistiknya.
Kita bisa melihat hal ini dalam Menunggu Sang Raja (2018)yang merupakan pemandangan menyenangkan dari dua anak laki-laki yang menunggu dengan penuh harap saat Raja lewat. Desain mewah dari kain yang dibungkus menunjukkan kecintaan Haure pada warna dan abstraksi, tetapi juga menunjukkan keintiman momen yang diam, seperti dalam Warna dari Indonesia (2006) di mana seorang gadis cantik mencondongkan tubuh ke depan untuk menyentuh kakinya dengan lembut dengan jari-jari terentang dan Terumbu Karang (2019) di mana seorang wanita muda yang membelakangi kami, hanyut dalam suasana hati yang termenung.
Haure membangun ketegangan dalam karya ini melalui warna-warna kalem dan warna gaunnya serta detail fisik seperti tangan yang terulur dan kaki yang tertekuk.
Aksesibilitas karya seni Haure sangat menyegarkan, begitu pula kualitasnya yang halus yang membawa pemirsa ke dalam dunia yang sangat pribadi. Hal ini berada dalam warna yang kaya dan romantis seperti mimpi Gemini (2004)dengan warna biru yang dominan dan warna merah yang diredam, serta garis yang mengalir, menambah ketegangan yang tidak biasa. Kelompok meriah yang sangat detail dan penuh warna dalam karya berjudul Kecuali Anda Tahu Cara Lain (2020) memperkuat karakter seni Haure yang seperti mimpi, seperti halnya karya abstrak-figuratif yang dramatis Duality XIII (2008)sebuah perpaduan yang tidak biasa dari kontak manusia dan hewan dalam karya seninya.
Hal ini sangat kontras dengan momen pribadi kedua wanita dari Duality II (2006) dan perempuan lajang di Ketika Anugerah Berlimpah (2010). Ada petunjuk yang mencolok dari cita-cita keindahan Pra-Raphaelite Inggris dalam karya-karya ini - dan banyak karya lainnya - yang membawa narasi abstrak Haure yang melamun, dan meskipun karya-karya ini tersentuh dengan rasa romansa, setidaknya menurut saya, tidak sentimental. "Lukisan abstrak lebih kuat daripada lukisan lainnya dalam hal emosi, dan menggambar juga lebih kuat daripada karya yang sudah jadi. Saya memadukan kedua teknik ini bersama-sama," katanya. Hasilnya, seperti yang kita lihat, sangat menarik.
Di antara karya Haure yang paling memikat adalah diptych seperti Kedua Sisi Cerita (2011)) dan triptych seperti Duality XVII (2008) dan Duality XIX, Gelombang di Langit (2011)yang merupakan sebuah mimpi. [Model untuk semua figur adalah istri Haure, Reizka.] Karya-karya ini berbicara tentang sisi sekuler dan religius Haure.
Sekuler adalah narasi sehari-hari, formal dan informal, dari orang-orang yang digambarkan. Dan dengan cara membingkai karya-karyanya, panel-panelnya menunjukkan altar religius yang ditemukan di banyak gereja Katolik. Keahlian dan perhatian Haure terhadap detail dalam pembuatan panel-panel ini merupakan sesuatu yang ia capai selama masa studinya di École Boulle hampir 40 tahun yang lalu. Dalam karya-karya ini, terdapat dialog yang sangat manusiawi dan pribadi yang terjadi dalam suasana yang tenang yang mengingatkan kita pada foto-foto sepia lama, di mana pencuciannya menunjukkan waktu yang telah berlalu.
Melihat figurasinya di sini, kita bisa merasakan narasi yang meluas jauh melampaui batas bingkai lukisan, seperti yang kita temukan pada altar religius dari adegan-adegan Alkitab. Keseluruhan karya ini merupakan perjalanan narasi yang kompleks yang hanya dapat kita lihat sekilas, membuat para pemirsa menjadi penikmat dunia pribadi.
Orang mungkin mencari pesan dalam karya-karya Haure, tetapi seperti yang dia katakan, "Saya tidak memiliki pesan. Saya tidak ingin mengubah dunia, hanya berjuang untuk menjaga seni saya tetap hidup.
Saya tidak menghakimi dunia atau orang-orang dalam karya seni saya.
Satu-satunya hal yang dapat saya katakan adalah 'Saya ingin melihat sisi lain'." Dunia sekarang, katanya, telah menjadi tempat di mana segala sesuatu telah menjadi "objek untuk tujuan komersial, termasuk kehidupan manusia. Jika saya menyentuh suatu kebenaran, secara tidak sengaja, emosi, keindahan, hubungan spiritual, atau cinta akan menjadi hidup. Itu adalah konsekuensi dari tindakan saya, bukan niatnya."
Dan untuk kesan misteri dalam visinya, bahan campuran medianya cocok untuk itu. Namun, ini bukanlah sesuatu yang dilakukan Haure, karena misteri tidak diciptakan oleh kuas atau pensil, misteri muncul dengan sendirinya saat seniman bekerja.
"Saya tidak bisa mengatakan bahwa saya ingin melakukan sesuatu dalam karya seni saya," Haure mengatakan. "Yang saya lakukan adalah mempersiapkan kondisi, khususnya untuk langkah pencucian, di mana ada 'peristiwa' yang mungkin terjadi. Maksud saya, suatu bentuk bahasa. Dengan menggunakan semua alat yang saya miliki (warna, tekstur, garis, kontras, keseimbangan, harmoni), saya menyatukan semuanya dalam suatu kekacauan.
Terkadang, sesuatu yang tidak biasa muncul, sebuah 'musik' baru dalam bahasa bentuk bisa terdengar. Saya harus berhati-hati. Sangat mudah untuk menghancurkannya dengan menambahkan kehendak saya sendiri ke dalamnya. Jika saya menggunakan kehendak saya, saya akan gagal."
Pencarian Jean-Philippe Haure akan keindahan terus berlangsung, sesuatu yang akan menyindir dirinya sendiri ke dalam semua karya seninya. Pencarian keindahan adalah tugas yang sulit karena menuntut segala sesuatu dari kepribadian dan keterampilan, visi, dan semangat seniman.
Seperti yang dikatakan Haure,
"Keindahan adalah tempat untuk beristirahat, dan tidak menyenangkan. Kadang-kadang menimbulkan ketakutan yang membuat kita menjauh. Ini adalah penampilan yang tak terlukiskan, bahasa yang tak terucapkan.
Kecantikan tidak menerima kompromi. Apabila mengerjakan wash saya dan mencoba membuat model tampak jelas, saya harus membuat begitu banyak keputusan (memilih garis-garis yang kontras, mengubah warna atau saturasi, menggunakan tekstur wash sebagai bagian kiasan, menambahkan garis putih, menutupi suatu area, menghapus sebagian detail, dan sebagainya.
Menurut saya, semua keputusan ini, apabila digabungkan, memiliki efek tanpa kompromi. Lukisan yang tidak berhasil, memiliki keraguan dan kekagetan."
Haure melihat dunianya selalu bergerak. Dalam karya seninya, ia berusaha untuk menjangkau lebih jauh dari permukaan untuk menggambarkan Bali yang kaya akan semangat.
Seperti yang dia katakan, "Dunia yang tidak kita lihat selalu mengingatkan Anda akan hal-hal magis, upacara, ritual, pengorbanan, persembahan, keindahan, dan kesuburan."
Dalam setiap pencarian, selalu ada kejutan dan kesenangan, keberhasilan dan kekecewaan. Pelukan Jean-Philippe Haure dalam pencarian keanggunan dipenuhi dengan semua ini, dan itulah sebabnya karya seninya sangat individual.
diterbitkan pada 5 November 2020