肖像画における類似性の問題はデリケートなものである。あらゆる芸術的、文化的、文学的レベルにおいて、西洋の脱構築が1世紀以上続いた後に生まれた世代出身の私にとって、数分の簡単なスケッチであれ、より精巧な作品であれ、肖像画がモデルに似ていると言われるポイントを挙げることは、今日難しくなっている。
ライブ・モデル・セッションにおけるアーティストの類似性の探求は、作品のスタイルや方法によって、非常に異なるレベルで行われることがある。第一に、モデルを前にしたアーティストが、自分の作品とモデルを比較すること、第二に、アーティストの作品を前にした観客が、同じくモデルと比較することである。
しかし、2つ目の解釈はさておき、1つ目の解釈、つまり作品を前にした芸術家の解釈を理解することにしよう。
彼が翻訳しようとしているこの類似性は、果たしてどこにあるのだろうか？モデルと作品の展開を交互に見ながら、支持体の上に線や色を加え、ここにコントラストを強要し、あそこの「間違い」を消す。
しかし、この加工された平らな面と、生きているモデルとの間には何のつながりもない。
グラファイトの線に対する顔、グワッシュのタッチに対する光、いくつかの指示されたハッチングによって表現されるリズム、製造された顔料の表面に対する物理的な色。比較できるものは何もない。しかし、すべてがそこにある。モデルはそこにいて、紙の端に縁取られている。
紙の上でそれを表現する線や色から独立して類似性を見ることは不可能であり、同時に類似性はこの線や色の組み合わせだけではない。では、それはどこにあるのだろうか？
その類似性は、画家の意図、目に見えない秩序を見て、それを翻訳することができたもの、つまり、この性格、この正確さ、この定義できない「真実」にあると言える。彼が見たものは、彼の作品と彼のモデルの間の空間であった。そして、彼の作品はすべて、まさに目に見えないものを目に見えるものにすること、表現することなく感じ取っているもの、顔や生活やモデルの背後に隠れているものをより明確にすることで成り立っている。
だからこそ、アーティストが作る肖像画は、モデルそのものよりもリアルで真実味があると感じられるのだ。一種の創造的錬金術によって、肖像画は外見の裏に隠された意味を明らかにする。
形の言語のレベルでは、いわゆる「似て非なる」肖像画の多くは、「モデルよりもそれ自身」である肖像画から浮かび上がる印象と同様に、感じられる現実に近い。私たちはこの肖像画についてこう言うことができる：彼だ！しかし、デザイン的には、線も色も一つもモデルに物理的に適合していない。"彼 "を形の言語に置き換えると、"彼だ "となる。
ここでは、色と形の相互作用が生命を生み出す。多くの場合、アーティスト自身さえも知らない。どうすればこの生命を捉えることができるのだろうか？あらゆる種類の不器用さ、失敗、美的ミスを避けるために十分に練習されたアーティストの技術的能力は、まるでミュートされたかのように脇に置かれ、世界の中の一種のプレゼンスに自分自身を位置づけ、その上にホバリングし、あるいは一歩下がることで、あたかもそれを所有することなく、この印象をとらえ、翻訳することができるようになる。
世界におけるアーティストの存在とは、一種の自分自身からの不在である。世界に存在することを可能にする、自分自身に対するある種の気の抜けた存在...。
これは、客観的な分析ツールによって捉えられる、詮索好きで独占的な視線とは正反対で、意味の探求よりも解体に適しており、整備工場の床に広げられたエンジンの部品のようなものを私たちに見せてくれる。
この解体は、その斬新さがしばしば芸術的観点から非常に魅力的であり、解体され実証された部分ゆえに非常によく似ているのだが、部分と部分の間のつながりや、私たちの知性によって最終的に把握されうる意味を透明な形で私たちに与えてくれる、目に見えるもののすべてのアーティキュレーションを無視している。
西洋の時代が生み出したこの解体は、外観を消失させ、その結果、芸術家が儚く知覚する不可視のものへのアクセスを可能にする。外見とは、目に見えないものの存在条件である。理解可能なものは、感覚可能なもののごく一部でしかない。
「虹を分析し、月から最も古く、最も貞淑な神秘を取り除いたからといって、最後のエンディミオンである私が、望遠鏡越しに不遜な目で愛人を覗き見されたからといって、すべての希望を失わなければならないのだろうか？
– オスカー・ワイルド『エロスの庭』。アルベール・サヴィーヌによる翻訳と序文。
実行中はしばしば不明瞭であったこの作品が、事実の後、あるいは他の人の判断によって初めて、「モデルそのものよりもそれ自身」であることが明らかになり、そこから発せられる印象は、現実の狭間、シートとモデルの間の空間に似ている。
エコール・ブールのある美術教師が、模型を使ったライブ・セッションで、学生たちにこう言ったのを覚えている：「決して作品を捨ててはいけない」と。
今日、アトリエの片隅に積まれたこれらのドローイングの中には、これまで何気なく捕らえられ、無視されてきた、その中間を明らかにするような、その後の視線の可能性が隠されているような気がする。
一枚の紙に書かれた数行と色だけでは、これらは高尚な考えかもしれない。しかし、この相似形が何年にもわたる研究になり、おそらく完成することはないだろう。
だから
ドロー
ドロー
彼が描く
私たちは次のように描く。
デザインによる。