フランス人アーティストのJean-Philippe Haureは、バリの人々、場所、精神について抑制された物語を描く絵画を制作している。一見すると、彼の芸術はもろく、風が吹けば一瞬にして紙から色と線が消えてしまうかのように見える。色彩、幾何学、主題の強固な結びつきによる直線的な強さが目を楽しませ、想像力を刺激するのだ。
ハウレは、ダンスの中、偶然の視線の中、貧しい人々の間、期待の瞬間、親密な触れ合いの中、孤独な男のやせ細った姿の中、祭りの最中、抽象的な夢の中など、無数の場所で美の優美さを発見してきた。
ハウレは、現代社会の厳しさや地域社会の伝統の束縛にとらわれることなく、むしろ、私たちに被差別民に目を向けるよう要求し、生存者のユニークな優しさを見るよう誘う。彼の観察眼は、社会を蝕む不平等に注意を向けさせる。しかし、痛ましい現実は、祭りのとらえどころのない儀式や、美しく整えられ、印象的な民族衣装を身にまとったエレガントな女性たちとは対照的である。
ハウレの具象的かつ抽象的なバリの世界への旅は、主題や美学への疑問からではなく、色彩豊かなウォッシュから始まる。 「私にとって、洗濯はとても重要だ。ここから物語が始まるんだ。 と彼は言う。 "日常生活モデル "を街で見かけると、仕事へのモチベーションが上がる。美学に関する疑問は、まず洗濯で見つけるべきだ"
ハウレの作品は、空想と現実の出会いを扱いながらも、バリの精神的な本質と、研究された生活のペースを捉えている。ハウレの物語には不思議な要素があり、教師としての長年の観察と地域社会での生活を通して磨かれた、主人公たちに対する独自の理解を持った小さなドラマである。
のような親しみやすい作品では、柔らかな色調と抽象的な表現が、見る者の感情に「ささやく」ように語りかける。 風呂上がり (2006), インドネシアからの色 (2006)そして メランコリア (2013).また、ハウレのパレットは、次のような厳しい具象的な作品の渋さを和らげている。 タイム・キーパー (2012), ステイ・アライブ (2012)そして キープ・イン・マインド（2014年）.その結果、心の目に残るさまざまな夢のような体験ができる。
ハウレの芸術は、その色彩と繊細な線が、写真のような手軽さを連想させる一方で、彼の絵画は、見る者に彼の物語の核心を探り出し、フレームや滑らかで魅惑的な表面を超えたところに生命を与えることを要求する。これは、次のような肖像画で鮮やかに達成されている。 風呂上がり (2006)トリプティク Duality XVII (2008), 時代の背後にある知恵 (2011) アイヴ・ガット・ア・ドリーム・トゥ・リメンバー (2012), 木枯らし (2012), ステイ・アライブ, あの世が見たい (2012), メランコリア (2013), キープ・イン・マインド（2014年） .この絵画シリーズでハウレは、社会のはざまで生きる人生、個人的な葛藤、年齢、孤独、悲しみ、精神的苦痛、喪失、そして夢について率直に語っている。
この瞬間、私たちは表面的な平静を覗き見しているようだが、同時に個人的な苦悩にも気づいている。
に苦悩はない。 時代の背後にある知恵 しかし、眉をひそめ、右手で膝を抱え、左手の指を頭に押し当て、豊満な胸がドレスからこぼれ落ちそうになっているエレガントでハンサムな女性の顔や目や姿勢には悲しみがある。彼女の目は私たちを見ているが、私たちを見てはいない。人は、彼女が若かりし頃、彼女の美しさが賞賛のまなざしを集めていた頃、つまり、あの蒸し暑い若い女性のように自分を甘やかしていた頃を振り返っているのではないかと感じる。 風呂上がり はそうする。
ここには静かな喜びがあるが、ハウレのムーディーな絵にはない メランコリア一方、若い女性が地面に手をつき、集中することなく見つめている。なだらかな肩とぼんやりとした視線が、彼女の心をとらえる悲しみを物語っている。
ハウレはこの3人の女性を、繊細な線、精緻なディテール、そして自然なエロティシズムを強調する地面から生命体として立ち上がるような抽象表現で実現している。三連作では Duality XVIIしかし、老女は両腕を両脇に抱え、険しい表情で、好奇心に満ちた眼差しで、自分の運命に見切りをつけて世間を見つめている。彼女のひび割れた、消え入りそうな美しさには静かな威厳が感じられるが、それは偽りの物語ではなく美しさであり、多くの人を不快にさせる。 "私たちは美を恐れている" とハウレは言う。 "私たちは美を苦痛として恐れている。私は物事が絶妙である正確な瞬間をキャプチャしたい。"
ハウレ アイヴ・ガット・ア・ドリーム・トゥ・リメンバー; 木枯らし; ステイ・アライブ; 反対側を見てみたいそして 念頭に置くこと 孤独な人物は、その姿勢を通して、人生の悩みに対する諦めを示唆している。
しゃがんだり立ったりして働いたり休んだり、こちらを向いたり背中を向けたりしている。彼らは困難な時代を生き抜き、できる限りの生計を立てている。ハウレは、タチスムの自由な表現を思い起こさせる、よく配置されたウォッシュと淡い色彩によって、それぞれの人物を生き生きと描き出している。ハウレの描写的な線は、主人公たちの人生の層を明らかにする。
ハウレが描く男性たちの苦難の人生にも、抑制されたものがある。ロマンティックでもノスタルジックな理想化でもない。ここでは、エレガントな線と抽象的なウォッシュが、強靭さと優しさを併せ持ち、驚きを与えている。
一輪の花を挿す手によって、優しい思い出が浮かび上がる。 アイヴ・ガット・ア・ドリーム・トゥ・リメンバー そして 反対側を見てみたい その男は、別の人生を想像することしかできない遠くを懐かしそうに見つめている。しかし、私にとって、ハウレの最も力強く繊細な3つの具象作品は、『Stay Alive』［表紙参照］、『The Time Keeper』、『Wind in the Trees』であり、控えめな人間の苦悩を見事に具現化した絵画である。
の老け込んだ姿は ステイ・アライブ 右手の指はペーパーホルダーから食べ物を口に運び、左手の指はタバコをくわえている。彼の抽象化された場所に座っていると、地球と彼が一体化しているように見える。ハウレの顔、手、指、足、つま先のディテールや、衣服のたたみ方から彼の身体が見え隠れし、キャラクターの存在感を高めている。
焦げた茶色、赤、紫の淡い色調に洗われた骨の力強いラインが、この男の肉体を引き立てている。 タイムキーパー ボロボロの服のひだが、絶望感をさらに強めている。老け顔のしわくちゃの肌に、かつての楽しい思い出を思い浮かべるかのように、中間の距離を見つめている。細い指の間にゆるく握られた燃えさかるタバコが、彼の思考を中断させる。
ハウレの貧困層の肖像画に見られる絶望感は、おそらく、前かがみになっている痩せ細った姿に最も鮮明に表れている。 木枯らし.ここでもまた、力強く繊細な線と淡い色彩の組み合わせが、個性と場所を際立たせている。ハウレの肖像画が時に写実的な質感を持つのは、作家が芸術制作の道具として、また参照点として写真を使っているからであり、決して偶然ではない。
バリ在住の批評家ジャン・クトーは、彼のエッセイ『アートコンセプト・ラプソディ』（2012年）の中で、ハウレの写真の鋭い使い方についてこう述べている：
"写真は......作品のライン、ひいてはイデオロギー的な内容に貢献する。しかし、写真にそれができるのだろうか？その線の一部、最も想起させるものだけを貸すことで、過度に物語的で詳細な内容は手放す。写真には最終的に、情景を暗示するのに必要な最小限のものだけが残り、その情景を通して、ある種の感受性、優しさ、愛を理解することができる。すべてが肯定されるのではなく、示唆される。そして、流れるようなムードが色彩を超えて昇華された現実の線へと流れていく。"
Jean-Philippe Haureの世界がいかに儚く見えようとも、それは鋭い観察眼とキリスト教への深い信仰によって確立されたものである。1969年、フランスのオルレアン、ロワール川のほとりに生まれたハウレは、1983年からエコール・ブールで美術と工芸を学んだ、 「理論的なものだけでなく、ワークショップで応用される美術史の知識に基づいているのです。私は何かが欠けていると感じていた。芸術とは何かを理解したかったのです。ソルボンヌ大学に行き、授業を聴講した。エルヴィン・パノフスキーの『イデア』を学び、哲学の扉を開いたのです」。
その後、1989年にサン・ブノワ・シュル・ロワールのベネディクト会修道院で修道士となった。 「沈黙の中に潜ること、これが私が修道院で学び始めたことです。私はこの人生をとても身近に感じています」。
1990年、ハウレはボランティアとしてバリのササナ・ハスタ・カリヤ・スクールに着任し、そこで幅広いカリキュラムを教えてきた。バリ島とその文化は、過去30年にわたり、ハウレの芸術的ビジョンに不可欠な要素となっている。アジアの題材に対する彼の感性は、日本を拠点とするフランスの木版画家、ポール・ジャクーレ（1896-1960）のそれを思い起こさせる。
しかし、ハウレの芸術は、エドガー・ドガ（1834-1917）、特に彼のパステル画の自由さ、アングル（1780-1867）のアカデミックでロマンティックな正統性、フィンセント・ファン・ゴッホ（1853-1890）の妥協のない自由な生活の勇気、ウィレム・G・ホフカー（1902-1981）のバリの具象画、シンガポールのアーティスト、テン・ニー・チョン（1951-2013）の木炭画など、幅広い芸術家の豊かな精神と技法にも触れている。
そのような芸術家たちは、彼が言うように、ひとつの場所にこだわってよく調べることを教えてくれた、 それぞれの場所のあらゆる "嘘の共同体 "を発見するためにあちこちを旅するよりも、同じ場所に深く潜る方が好きなんだ。水面が好きなのではなく、潜るのが好きなんだ"
しかし、ある場所にいても、ハウレのビジョンは堅苦しくない。それは人生のスパイスに満ちており、決まり文句ではない。それは、何年も前に彼を発見の航海へと駆り立てた冒険の精神に満ちており、それは常に彼の中にあり続けている。
彼が言うように、 「私は新しい文化を発見するために（フランスから）移住する機会を得た。30年近くバリ島に住んでいると、文化というものがいかに相対的なものであるかがわかる。美の普遍性はそれらを取り去る。ヨーロッパの近代絵画史の後に生まれたことを幸せに思う。私はこれらの画家たちから自由を得た。彼らは形の言語を解放した。しかし、私にとっては、彼らはまだ十分ではなかった。カオスの作り方を学ぶことは一つのことだが、そのカオスの中に現れる美を意識することはまた別のことだ。"
ハウレの世俗的かつ精神的な生活は、沈黙と行動が一体となった内省的な性質を育んでいる。ハウレは、貧しい人々の疎外感や恵まれた人々の永遠の美を捉えるのと同様に、シンプルで親密な場面に尊厳と美を見出す。しかし、彼は批判することはなく、むしろ叙情的な抽象と具象が、彼の芸術の旅路を私たちに導いてくれる。
このことは、次のようなことに表れている。 王を待ちながら（2018年）これは、2人の少年が王が通り過ぎるのを期待しながら待っている楽しい場面である。ドレープのかかった布地の豪華なデザインは、ハウレの色彩と抽象性への愛を物語っているが、次のように静止した瞬間の親密さにも通じている。 インドネシアの色（2006年） 美しい少女が身を乗り出し、伸ばした指で彼女の足にそっと触れる。 サンゴ礁（2019年） そこで、こちらに背を向けた若い女性が物思いにふけっている。
ハウレはこの作品で、ドレスの淡い色彩とウォッシュ加工、そして伸ばした手や曲げた足といった身体的なディテールによって緊張感を高めている。
ハウレの芸術の親しみやすさは、見る者を非常にプライベートな世界へといざなう幽玄さと同様、新鮮である。色彩豊かでロマンティックな夢のような作品にこそ、ハウレの真骨頂がある。 ジェミニ (2004)圧倒的な豊かな青と落ち着いた赤、そして流れるようなラインが異様な緊張感をもたらしている。と題された作品では、細部まで色彩豊かに描かれた祝祭的な集団が登場する。 別の道を知らない限り（2020年） は、ハウレの芸術の夢のような性格をさらに強めている。 Duality XIII (2008)彼の芸術は、人間と動物とのふれあいを融合させた珍しいものである。
の二人の女性の個人的な瞬間とは対照的である。 Duality II (2006) の独身女性。 恩寵が溢れるとき (2010).これらの作品や他の多くの作品には、イギリスのラファエル前派が理想とする美のヒントがあり、それがハウレの夢のような抽象的な物語を支えている。 「抽象画は他のどの絵画よりも強い感情を持っているし、ドローイングも完成された作品よりも強い。私はこの2つの技法をミックスしています" と彼は言う。結果は見ての通り、非常に魅力的だ。
ハウレの最も魅力的な作品の中に、次のような二部作がある。 物語の両側 (2011)などのトリプティク）や Duality XVII (2008) そして Duality XIX, 空の波 (2011)これは夢である。[これらの作品は、ハウレの世俗的な側面と宗教的な側面を物語っている。
世俗的なものとは、描かれた人々の日常的な物語であり、形式的であり非公式なものである。また、作品の額装の仕方は、多くのカトリック教会で見られる宗教的な祭壇画を連想させる。ハウレの職人技と細部へのこだわりは、約40年前、エコール・ブールで学んだときに身につけたものだ。これらの作品では、古いセピア色の写真を思い起こさせるような控えめな環境の中で、非常に人間的で個人的な対話が行われており、彼のウォッシュが過去の時間を暗示している。
ここでの彼の造形を見ていると、聖書の場面を描いた宗教的な祭壇画に見られるように、物語が絵画の枠をはるかに超えて広がっているように感じられる。作品全体が、私たちが垣間見ることのできる複雑な物語の旅であり、見る者を私的世界の覗き見者にしているのだ。
ハウレの作品にメッセージを求める人もいるかもしれないが、彼が言うように、 「私には何のメッセージもない。世界を変えたいわけではなく、自分の芸術を生かすために戦いたいだけなんだ。
私は自分のアートで世界や人々を批判しているのではない。
私が唯一言えることは、"反対側を見てみたい "ということです」。今の世界は、「人間の生活も含めて、すべてが商業目的の対象」と化していると彼は指摘する。私が何らかの真理に触れれば、偶然にも、感情や美、精神的なつながりや愛が生きてくる。それは私の行動の結果であって、意図するものではない。"
そして、彼のビジョンにある神秘的な感覚に関しては、ミクストメディアの素材がそれに適している。ミステリーは、筆や鉛筆によって生み出されるものではなく、作家が制作を進めるうちに、自ずと浮かび上がってくるものだからだ。
"自分の芸術で何かをしたいとは言えない" とハウレは言う。 "私がしていることは、洗うステップのために特別に、何か "出来事 "が起こるかもしれない条件を準備することだ。つまり、言語のようなものです。私が持っているすべての道具（色、テクスチャー、線、コントラスト、バランス、調和）を使って、ある種のカオスの中にすべてをまとめる。
時々、珍しいものが現れ、フォームという言語の新しい『音楽』が聞こえることがある。私は気をつけなければならない。自分の意志をそこに加えることによって、それを破壊するのはとても簡単だ。自分の意志を使うと、失敗するんだ」。
Jean-Philippe Haureの美の探求は現在進行形であり、それは彼のすべての芸術に浸透している。美の探求は、アーティストの個性と技術、ビジョン、精神のすべてを要求する厳しい仕事である。
ハウレが言うように、
「美は休息の場であり、喜びではない。時にそれは恐怖を引き起こし、私たちを遠ざける。それは言葉にならないものの外観であり、言葉にならないものの言語である。
美は妥協を許さない。ウォッシュでモデルをくっきりと見せようとすると、多くの決断を迫られる（コントラストの代わりに線を選んだり、色や彩度を変えたり、ウォッシュのテクスチャを造形的な部分として使ったり、白い線を加えたり、ある部分を覆ったり、ディテールを消したり、などなど）。
これらの決断が積み重なることで、妥協のない効果が生まれるのだと思う。成功しない絵画には、ためらいやおかしみがある。"
ハウレは永遠に動き続ける自分の世界を見ている。彼のアートは、表面的なものだけでなく、豊かな精神が息づくバリを表現しようとしている。
彼が言うように、 "目に見えない世界はいつも、魔術、儀式、儀礼、犠牲、供物、美、豊穣を思い起こさせる。"
どんな探求にも驚きと喜び、成功と失望がある。Jean-Philippe Haureの優美さの探求は、こうしたものに満ちており、だからこそ彼の芸術は深く個性的なのだ。
2020年11月5日発行